Bức tranh năm 1955 của Pablo Picasso, Les femmes bước vào (Phiên bản ‘O’) đã thu về 179,4 triệu đô la trong một cuộc đấu giá của Christie vào tối thứ Hai ở New York, mức giá cao nhất từng được trả cho một tác phẩm nghệ thuật đấu giá. Người mua không được tiết lộ, và việc đấu giá cho phiên đấu giá, trong đó có một loạt các kiệt tác nghệ thuật hiện đại đã được thực hiện hoàn toàn bằng điện thoại.
1. Salvator Mundi, Leonardo da Vinci – 450.3 triệu USD
Salvator Mundi hay Savior of the World được cho là do Leonardo da Vinci vẽ (nhiều nhà phê bình tin khác). Bức tranh thể hiện Chúa Jesus Christ mặc trang phục thời Phục hưng và ban phước lành, bàn tay phải giơ hai ngón tay đan chéo trong khi cầm một quả cầu pha lê trong tay trái.
Quả cầu thủy tinh trong tay tượng trưng cho những quả cầu kết tinh của thiên đàng – Chúa Kitô được thể hiện là vị cứu tinh của thế giới và là bậc thầy của vũ trụ. Leonardo là một người Công giáo La Mã nhưng vẫn đi chệch khỏi những hình ảnh truyền thống của những quả cầu bằng đồng / vàng với hình thánh giá cho quả cầu pha lê.
Một số người cho rằng đó là một nỗ lực có ý thức từ phía anh ta để gắn kết thế giới vật chất và tinh thần lại với nhau.
Lập luận
Những người đam mê nghệ thuật cho rằng có 20 biến thể khác nhau của tác phẩm nghệ thuật, bức tranh gốc bị mất. Một bản sao như vậy gần đây đã được khôi phục và tái phát hiện thành tác phẩm gốc của da Vinci bởi nhiều học giả hàng đầu.
Lập luận mà họ đưa ra rằng các vòng tròn tóc vàng, cửa hàng đan chéo và hai ngón tay giơ lên để ban phước cho nhân loại đều là da Vinci cổ điển và không được tìm thấy trong các bản sao khác của Salvator Mundi. Salvator Mundi có một câu chuyện rách rưới giàu có khá hấp dẫn.
Các chủ sở hữu hiện tại của bức tranh đã có được một hình dạng rất xấu – bảng gỗ đã được chia thành hai và bức tranh đã được sơn lại để che giấu công việc sửa chữa bị phá hỏng! Tuy nhiên, tất cả đã nói và làm, Salvatore Mundi đáng chú ý là tác phẩm cuối cùng của Leonardo và do đó được đánh giá rất cao trong cộng đồng nghệ thuật.
2. Interchange, Willem De Kooning – $300 triệu USD
Interchange hay Interchanged là một bức tranh sơn dầu của họa sĩ người Mỹ gốc Hà Lan – William de Kooning, người thuộc trường phái chủ nghĩa biểu hiện trừu tượng. Bức tranh là bức tranh phong cảnh trừu tượng đầu tiên của Kooning được hoàn thành vào năm 1955 và chịu ảnh hưởng của phong cách nghệ thuật của Franz Kline. Kooning dành phần tốt hơn trong sự nghiệp của mình để nghiên cứu và làm lại các nhân vật nữ trừu tượng. Chỉ sau đó, anh đi chệch khỏi việc vẽ các hình dạng con người và mạo hiểm sao chép những hình ảnh trừu tượng về môi trường xung quanh của mình ở trung tâm thành phố New York. Sự trao đổi được tạo ra tại thời điểm cả hai lĩnh vực riêng tư của nghệ sĩ và cộng đồng nghệ thuật nói chung đang trải qua một sự thay đổi dần dần nhưng lớn. De Kooning ổn định về tài chính và có cơ hội đưa ra những lựa chọn mới – cả về chuyên môn và cá nhân.
Có thể bạn quan tâm: Treo tranh sơn dầu phong cảnh như thế nào cho sang nhà bạn?
Giống như bất kỳ tác phẩm nghệ thuật trừu tượng nào, ngay cả Interchange dường như mơ hồ và vô nghĩa trong nháy mắt. Một quan sát gần hơn cho thấy một số lớp cho bức tranh. Nó tượng trưng cho sự chuyển đổi mà cuộc sống của Kooning đang trải qua vào thời điểm đó.
Phải mất hơn 11 năm để thay đổi hoàn toàn
Interchange chỉ là bức chân dung đầu tiên trong số nhiều bức chân dung phong cảnh tiếp theo. Kooning, người nổi tiếng với việc tấn công dữ dội vào bức tranh và màu sắc rực rỡ của mình đã được thuần hóa theo phong cách nhẹ nhàng nhưng trực quan hơn. Sự thay đổi thẩm mỹ và kết cấu này mà Kooning đã trải qua vào giữa những năm 1950 cũng tạo thành nền tảng của chủ nghĩa siêu thực mà sau này sẽ lấy đi thế kỷ 21 bằng cơn bão.
3. Tác phẩm The Card Players, Paul Cezanne – 250 triệu USD
Bức tranh này đã giữ kỷ lục là tác phẩm đắt nhất thế giới trước khi bán Khi bạn sẽ kết hôn vào năm 2015. Người chơi bài đã được hoàng gia Qatari mua từ ông trùm vận tải Hy Lạp – George Embiricos với giá $274 triệu trong năm 2011.
Bức tranh này là một trong những hình ảnh kinh điển mà bạn chắc chắn sẽ không thể không nhận ra. Đó là một hình ảnh đã được nhìn thấy trong sách bàn cà phê, tạp chí tốt sang trọng và giáo trình lịch sử nghệ thuật trong nhiều năm nay.
Phong cách
Nó tạo nên một trong 5 tác phẩm được vẽ bởi Cezanne như là một phần của loạt bài ấn tượng của ông được hoàn thành giữa đầu và giữa những năm 1890. Hình ảnh mang tính biểu tượng này có hai người đàn ông phải đối mặt với một chiếc bàn gỗ nhỏ đang chơi bài.
Phong cách vẽ và sử dụng phấn màu là Cezanne cổ điển với những biểu cảm tinh tế trên khuôn mặt truyền tải tuyệt đẹp hai người chơi hoàn toàn đắm chìm trong trò chơi. Một chai rượu vang được đặt trên bàn làm tăng thêm chi tiết ấn tượng nhưng tinh tế.
Có thể bạn quan tâm khi biết rằng hai mô hình được sử dụng cho bức tranh là người làm vườn và nông dân của Cezanne tại gia đình của anh ấy!
4. Tác phẩm Nafea Faa Ipoipo ( When will you marry?), Paul Gauguin – 210 triệu USD
Bức tranh năm 1892 của Paul Gaugin hiện là bức tranh đắt nhất thế giới. Bức tranh vẽ hai cô gái Tahiti của anh đã phá kỷ lục thế giới vào tháng 2 năm 2015 khi nó được bảo tàng Qatar mua từ một nhà sưu tập tư nhân Thụy Sĩ – Rudolf Staechelin với giá 300 triệu USD đáng kinh ngạc !
Nó mô tả bức ảnh, một người mặc trang phục thổ dân và một người khác mặc trang phục truyền giáo theo phong cách thuộc địa tượng trưng cho sự hợp nhất của văn hóa Polynesia và Châu Âu. Bức tranh này được Gauguin hoàn thành vào khoảng 43 khi anh đến Tahiti để thoát khỏi tất cả những gì thông thường và nhân tạo ở châu Âu.
Bức tranh này đã được cho mượn với Bảo tàng Nghệ thuật Basel trong hơn 60 năm trước khi được người bán rút khỏi trưng bày và bán. Dường như không ấn tượng, tác phẩm nghệ thuật này minh họa tính xác thực của một nền văn hóa bắt nguồn từ thời kỳ đã qua.
5. NO. 17A, 1948, Jackson Pollock – 200 triệu USD
Chủ nghĩa biểu hiện trừu tượng là một phong trào nghệ thuật sau Thế chiến II nhấn mạnh vào sự sáng tạo tiềm thức và tự phát.
Tác phẩm nghệ thuật của Jackson Pollock thuộc về trường phái hội họa này – kỹ thuật vẽ nhỏ giọt của ông bắt nguồn từ tác phẩm của André Masson và Max Ernst, v.v. Tác phẩm trừu tượng này được tạo ra vào năm 1948 và được đăng trên tạp chí Life 1947
Vẽ tên hộ gia đình
Được thực hiện trên tấm ván sợi chỉ sử dụng sơn dầu, Số 17A trông giống như một ảo ảnh lộn xộn của hoa văn và màu sắc. Tuy nhiên, một cái nhìn gần hơn làm nổi bật một vài lớp cho bức tranh bị mất trên người xem trong nháy mắt.
Cái tên Number 17A khá trang trọng và thiếu sáng tạo hoặc độc đáo. Pollock cố tình đi chệch khỏi việc đặt tên tác phẩm nghệ thuật của mình là một cái gì đó lạ mắt – điều này chỉ làm sáng tỏ bản chất hoàn toàn độc đáo của bức tranh.
Các mẫu ngẫu nhiên không xuất hiện quá mơ hồ khi bạn quan sát nó ở gần. Trên thực tế, chuyển động chính xác và kiểm soát nghệ thuật của Pollock có thể được theo dõi theo cách cấu trúc của bức tranh nhỏ giọt dầu.
Tiêu đề của bức tranh Số 17A hoàn toàn trái ngược với nội dung của nó. Trong khi tên là nhạt nhẽo, các mô hình được mô tả trong bức tranh là bất cứ điều gì khác thường.
Phản ứng trái chiều đối với bức tranh
Nó đã được đáp ứng với sự xem xét kỹ lưỡng của công chúng và do đó không được coi trọng nhiều trong thế giới nghệ thuật. Nó chỉ muộn hơn vào năm 2016 khi tác phẩm được mua bởi nhà sưu tập nghệ thuật tỷ phú Kenneth C. Griffin với giá xấp xỉ. 200 triệu đô la mà Số 17A đã được hồi sinh là bức tranh đắt thứ tư từng được bán trong lịch sử.
6. NO:6 (Violet, Green and Red), Mark Rothko – $186 triệu USD
Mark Rothko là một họa sĩ người Mỹ gốc Nga và là người tiên phong của chủ nghĩa biểu hiện trừu tượng. Phong cách của Rothko được đặc trưng bởi việc sử dụng các bức tranh lớn và các dải màu sáng ngang. Violet Green Red được đặt tên một cách mơ hồ để cho phép người xem hình thành ấn tượng của riêng họ.
Ở đây, Rothko sử dụng bảng màu spartan với các màu tối nhất ở trên cùng, tượng trưng cho sự chán nản đang làm anh ta đau khổ.
Việc sử dụng màu sắc sống động trong một mẫu đơn giản thể hiện phong cách đặc trưng của truyền tải thông điệp thân mật của Rothko mà không cần sử dụng các chủ đề. Tác phẩm này được mua lại với giá $186 million bởi doanh nhân người Nga – Dmitry Rybolovlev từ đại lý nghệ thuật Thụy Sĩ – Yves Bouvier vào năm 2014. Mặc dù việc mua bán sau đó đã bị lôi kéo vào các tranh chấp pháp lý, tác phẩm này vẫn là một trong những tác phẩm nghệ thuật đắt tiền trong thế giới.
7. Les femmes d’Alger (Version ‘O’) 179.4 triệu USD
Chủ sở hữu trước đó chỉ được xác định như là một “Bộ sưu tập bí mật của Châu Âu”. Bức tranh được bán lần cuối vào năm 1997 cho người bán tối nay với giá chênh lên tới 31,9 triệu đô la, nghĩa là nó được đánh giá cao hơn 147,5 triệu đô la trong 18 năm qua, với tốc độ tăng trưởng kép hàng năm khoảng 10 %.
8. Tác phẩm Nu Couche, Amedeo Modigliani 170.4 triệu USD
Nu Couché, hay còn gọi là Red nude hay Reclining nude, là một bức tranh sơn dầu năm 1917 của Họa sĩ người Ý Amedeo Modigliani.
Thường được coi là kiệt tác của họa sĩ, Nu Couché là sự hợp nhất liền mạch giữa chủ nghĩa duy tâm cổ điển và sự gợi cảm thời hiện đại. Bức ảnh người phụ nữ khỏa thân nằm trên đi văng trông có vẻ thực tế nhưng vẫn có vẻ đẹp siêu thực, gần như siêu phàm khiến người xem mất cảnh giác.
Không có gì thô bỉ hay thô tục về cột này của sự dịu dàng (người phụ nữ như Modigliani mô tả). Thay vào đó, cô ấy đi qua như một người phụ nữ gợi cảm, được khơi dậy trong thời hoàng kim, người không ngại cho đi và đòi hỏi niềm vui thể xác.
Bức tranh, mặc dù được lấy cảm hứng từ các mô tả thời Phục hưng của Ý về Sao Kim và các nhân vật nữ khác, nhưng có một nét hiện đại. Không giống như các mô tả của tác phẩm nghệ thuật cổ điển, nơi ảnh khoả thân không được sử dụng như một phép ẩn dụ hoặc một câu chuyện ngụ ngôn để thiết lập sự thuần khiết của người phụ nữ.
Nu Couché làm nổi bật sự trần trụi của phái nữ; Toàn bộ cơ thể của cô ấy được đặc trưng từ gần lên trên và kéo dài toàn bộ khung vẽ (chỉ có tay và chân của cô ấy không ở trong khung). Sự mở rộng của làn da màu kem phát sáng dưới ánh sáng dịu nhẹ trái ngược hoàn toàn với chiếc ghế màu đỏ thẫm càng làm tăng thêm sức quyến rũ của quý cô. Nu Couché không tôn vinh cơ thể phụ nữ cũng không coi thường nó – nó chỉ đơn giản thể hiện nó theo cách của nó – bị cuốn vào dòng chảy của đam mê – khiêu khích, táo bạo và không xác thịt.
9. Masterpiece, Roy Lichtenstein – $165 triệu USD
Roy Lichtenstein là một trong những người tiên phong của văn hóa nghệ thuật pop đã làm chệch hướng hình ảnh huyền bí của nghệ thuật Mỹ và tạo ra một cái gì đó thực tế và dễ hiểu hơn. Tác phẩm nổi tiếng nhất của ông – Kiệt tác (1962) có một số yếu tố cổ điển của nghệ thuật pop như chấm Ben-Day và bóng bay lời nói được đặt trong một câu chuyện kể truyện tranh. Bức tranh là một phần của triển lãm đầu tiên của Lichtenstein tại Phòng trưng bày Ferus, Los Angeles, với các tác phẩm khác như Cô gái chết đuối và Chân dung Madame Cezanne.
Bây giờ, một số nhà phê bình đã loại bỏ The Master kiệt tác như chỉ là một tác phẩm bóng bẩy và quyến rũ khác, những người khác tin rằng bức tranh có một số ý nghĩa sâu sắc hơn gắn liền với nó.
Những gì chúng ta sẽ xem xét ở đây
Kiệt tác mô tả một người đàn ông (có thể là nghệ sĩ) và một phụ nữ tóc vàng, nhìn vào một bức tranh, nội dung mà người xem không thể nhìn thấy. Một bong bóng lời nói phát ra từ miệng cô ấy cho thấy rằng cô ấy đang ca ngợi kiệt tác của câu hỏi, thậm chí gọi nó là thứ gì đó sẽ khiến cho tất cả New York phấn khích.
Người nghệ sĩ Brad này góp mặt trong một số tác phẩm khác của Lichtenstein (người tin rằng cái tên này là sáo rỗng và đủ anh hùng để trở thành nhân vật chính hoàn hảo của Pop Art). Kiệt tác được coi là một trò đùa truyền miệng phản ánh sự nghiệp nghệ thuật của Lichtenstein.
Cách nghiêm khắc, trang trọng mà Brad đồng ý với người phụ nữ tóc vàng cũng có thể được xem như một lời bình luận châm biếm về nghệ sĩ trẻ nóng bỏng, người nổi tiếng, người biết nhiều về ngoại hình và ít hơn cho công việc của anh ta.
10. NO. 5, 1948, JACKSON POLLOCK – $140 triệu USD
Một bức tranh nhỏ giọt, số 5, 1948 đã kiếm được $140 million khi được David Geffen bán cho David Martinez vào năm 2006.
Một tác phẩm nghệ thuật được thực hiện trên tấm ván sợi 8 x 5 feet, tác phẩm này thể hiện kỹ thuật nhỏ giọt độc đáo được sử dụng bởi Pollock, một trong những họa sĩ vĩ đại nhất trong phong cách biểu hiện trừu tượng.
Nó là một tác phẩm Pollock điển hình, không dễ tiếp cận theo cách chủ đạo nhưng có ý nghĩa đối với sự phát triển của nghệ thuật hiện đại.
Pollock được mệnh danh là Jack the Dripper vì kỹ thuật vẽ tranh độc đáo của anh ta, sau khi đặt tấm bạt xuống sàn, anh ta đã sử dụng sơn bằng cách nhỏ giọt từ gậy, ống tiêm và cọ cứng.
 đã thu về $179,4 million){kind=link}